'Onmacht voelt bevrijdend' - Esther van Rosmalen, 2019 (NL, FR, ENG)

'Onmacht voelt bevrijdend'

Over het algemeen werkt de residerende kunstenaar bij AIR Van Gogh Zundert in het ruime en lichte atelier naast de kosterswoning. Sylvie De Meerleer niet, het atelier voelde te groot, ze voelde zich hier te veel bekeken. Gedurende haar werkperiode werkte ze het liefste in afzondering op de zolder van het historische gebouw dat ooit is aangekocht door de kerk van Vincent van Goghs vader. Het atelier, waarvan de ramen nu afgeplakt zijn, diende hier als verzamelplaats voor de werken die onder haar handen ontstonden.

Patronen in de natuur
De werken van Sylvie zijn reeds uit het atelier verdwenen en hangen al in de Van Gogh Galerie. Tekeningen die meanderen en zo onbewust patronen uit de natuur suggereren zonder dat je er precies de vinger op kan leggen wat. Waar je ingezogen wordt en je jezelf verliest in de details, zoals bij het aquarel van Albrecht Dürer van een haas waar in de vacht een hele wereld is verborgen. “Ik heb gepoogd mijn eigen monnikenwerk samen te brengen met de expressie van Vincent van Gogh zoals bijvoorbeeld in het schilderij Sterrennacht. Ik heb me er toe moeten aanzetten om niet te veel dicht te tekenen. Vroeger had ik die neiging veel sterker om door te werken en dan is er ook de angst om iets kapot te maken als het al goed is. Maar wat je niet ziet is ook verbeelding. Ik heb het tekenen hier benaderd als een proces, een reis die je naar nieuwe bestemmingen brengt dan deze die ik aanvankelijk voor ogen had. De keuze om te stoppen is niet zozeer esthetisch, maar meer instinctief geleid door een buikgevoel. Zo zijn ook de werken ontstaan die ik ‘dubbelwerken’ noem. Deze maakte ik door op de achterzijde van het papier expressieve toetsen te zetten, waarbij ik mij liet leiden door invloeden van buiten zoals muziek. Tekenen is voor mij iets ritmisch, het heeft met klank te maken. Vervolgens heb ik deze aan de voorzijde overgezet en doorgetekend op een zeer minutieuze en secure indirecte wijze, waardoor er een nieuw beeld ontstaat. Het afwisselend gevoel vertaalt zich in grote en kleine toetsen die als vorm uit het papier zijn gesneden en zo deel uitmaken van de tekening aan de voorzijde. Ze refereren naar sporen in een blad, misschien de vraatzucht van insecten. Er spreekt een hele nieuwe verbeelding hieruit waarin de benadering van positief en negatief ook een rol speelt. Hoe mooi dat ik vanuit de basis van het tekenen tot nieuwe verbeelding kan komen.”

Door hier te zijn
De afgelopen twee jaar werkt Sylvie op groot formaat in haar zoektocht naar meer uitdaging in haar werk
door een nieuwe verhouding aan te gaan met de tijd en de ruimte van het scheppingsproces. De korte tijdspanne van een maand als werkperiode is echter een bepalende factor voor de hoeveelheid tijd er aan iets besteed kan worden. Dan moeten er keuzes gemaakt worden. “Ik wilde alles tegelijk doen, ook weer de grote werken, maar besefte dat het niet allemaal resultaten hoeven te zijn. Ik ben heel graag klein gaan werken, niet alleen omdat het sneller gaat, maar ook om te zien wat er mogelijk is. Het grote formaat is ook beangstigend, als ik werk, zie ik alles op microformaat en in het grote kan ik de regie kwijt raken door het overweldigende. 

De kleintjes zijn mij heel dierbaar. Het zijn proefjes waarbij ik het Japanse papier heb vervormd door scheuren, maar ook door naaldenprikken. Dat is een favoriete ontdekking. In plaats van het potlood heb ik hier naald en garen gebruikt. Het potlood ken ik door en door terwijl ik nu geen controle meer heb. Zoals een kind leert schrijven, om iets niet te kunnen, bijna machteloos te zijn en dat het fijn is dat het zo goed voelt. Hier ontstaan ook dingen waar je zo weinig voor nodig hebt. Tijd heeft het nodig. Tijd en geduld en aandacht. Het is belangrijk om het de aandacht te geven dat het werk nodig heeft.”

Het landschap is te overweldigend
Het oorspronkelijke plan van Sylvie was landschappen te tekenen zoals Vincent dat heeft gedaan. Ze wilde expressiever werken, maar wel in haar eigen stijl. Met het ideaal, zoals David Hockney de voetsporen van Vincent bewandelde, ging zij ook naar buiten om te kijken en te werken zoals David en Vincent. 

“Ik raakte volledig vast in het overweldigende van het landschap. Ik wilde mezelf leren kijken zoals zij, hoe zij stileren en stukje voor stukje de omgeving opnieuw opbouwen. Hoe ze verschillende standpunten koppelen tot één realiteit. Het lukte me niet om de veelheid van het landschap te herleiden naar kleine en gestileerde vormelementen of toetsen omdat ik de vormen van planten en bladeren pas zie als ik dichtbij ben. Als ik naar het landschap van ver kijk, dan is er enkel licht en schaduw binnen grotere vormen. Ik raakte vast omdat ik alles wil verbeelden. De neiging om hyper selectief te werken heb ik net als de waarneming toen losgelaten en dat was een enorme bevrijding. Aandachtig waarnemen is belangrijk, maar het bestuderen hoeft niet hetzelfde te zijn als letterlijk alles te zien. Controle wordt gezien als goed, maar de vraag is of dat wel zo is. Waar is dan de vrijheid in de geest en de ziel? 

Tijdens een treinreis kon ik me daaraan overgeven, er ontstond heel onbevangen een lijntekening. Om toch ook hier de tijd nuttig te besteden, want het maken van mijn werken kost vele uren, toog ik aan het werk met wat ik voorhanden had. Na deze tekening kwamen de draden, de steken. Meer dan een ontdekking is het ook een gevoel waaraan ik moet doorwerken vooraleer het weg is.”

Loslaten en weer plezier hebben
Tijdens het samen rangschikken van de kleine werkjes in de vensterbank van de galerie, ook deze mogen gezien worden, vertelt Sylvie hoe ze vast raakte in haar werk voordat ze hier kwam. Haar ambitie en perfectionisme lieten niet toe om zich de tijd te gunnen om op haar werk te reflecteren. Ze wilde alle tijd benutten die haar is gegeven om werk te maken, wat uiteindelijk haar het belangrijkste deed vergeten. “Plezier in het werk is ook belangrijk, dan speelt de tijd geen rol meer. Loslaten en weer plezier hebben is wat ik hier heb ontdekt. Loslaten van het resultaat, dat je als kunstenaar kan nadenken over je eigen werk en dat dan mag uitdragen. Het gevoel voor schoonheid zit diep in mij. Daarmee kan ik mensen visueel met elkaar in verbinding laten treden. Ik wil mensen het gevoel meegeven van de ervaring die ik heb bij het werken. Ik wil liefde en schoonheid de wereld insturen. De werken mogen op zichzelf bestaan en ook al voel ik me verbonden, dat hoeft niet zo te zijn. Ik wil de toeschouwer niet dwingen er iets in te zien, ook zij hebben ruimte nodig voor hun eigen gedachten. 

Gevoelige mensen zoals ik hebben zo’n ruimte nodig om terug in de eigen geest te komen, om het onderzoek los van dwingende concepten te vervolgen. Zo heb ik me hier enkel op de tekeningen van Vincent toegespitst, en niet op zijn schilderijen. Zoals een prachtige bister tekening, is elke toets een klank op zich, een compositie vol beweging. De spiraal in mijn werk is een motief dat om de zoveel tijd weer terugkomt en nu ontstond deze door de beweging van Vincent in zijn teksten, in zijn toetsen. Maar de kleine werkjes, die zijn speciaal voor mij om mee te nemen en verder aan te werken. Ze bieden veel verassing en een extra ruimtelijkheid die ik eerder niet kende. Het zijn voor mij ruimtelijke werken zonder een sculptuur te moeten zijn. Ik heb mij voorgenomen om me verder te bekwamen in de textiele kunsten en ‘naaitekeningen’. Ik wil de extra dimensie in materialiteit verder onderzoeken, al heb ik er geen tijd voor.”

September 2019, Esther van Rosmalen

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'L’impuissance s’avère libératrice'

En général, l'artiste en résidence travaille chez AIR Van Gogh Zundert dans l’atelier spacieux et lumineux à côté de la maison du sacristain. Pas du tout au goût de Sylvie De Meerleer : l’atelier était ressenti comme trop vaste, elle y souffrait du regard des autres. Au cours de sa période d’ouvrage, elle a préféré l’isolement au grenier du bâtiment historique, qui fut autrefois acheté par l'église du père de Vincent van Gogh. L'atelier, dont les fenêtres sont maintenant masquées, a ainsi servi de point de rassemblement pour les œuvres nées entre ses mains.

Motifs issus de la nature
Les oeuvres de Sylvie ont déjà quitté l’atelier et ornent désormais la Galerie Van Gogh. Des dessins sinueux suggérant donc inconsciemment des motifs de la nature sans que vous puissiez les dénommer au juste. Par lesquels vous êtes absorbés en vous empêtrant dans les détails comme dans l'aquarelle d’Albrecht Dürer où un lièvre cache tout un monde dans sa fourrure. «J'ai essayé de combiner mon propre travail de bénédictin avec le langage expressif de Vincent van Gogh, comme dans le tableau La Nuit Etoilée. Je me suis imposé à ne pas trop dessiner pour éviter la surcharge. Avant, j'avais beaucoup plus tendance à travailler sans trêve, entraînant ensuite la peur de détruire quelque chose qui était déjà bien. Mais, l’invisible, c’est déjà le domaine de l'imagination. Ici, j'ai conçu le dessin comme un processus, un voyage vous emmenant vers de nouvelles destinations, différentes de celles que j'avais initialement envisagées. Le choix de m’arrêter n’est pas forcément esthétique, mais plutôt guidé par un instinct primaire. De cette façon sont également nées des créations que j’appelle des ‘œuvres en paires’. Je les ai conçues en posant des touches expressives au verso du papier, tout en me laissant guider par des influences extérieures telles que la musique. A mes yeux, dessiner est une action rythmée, liée au son. Par après, j’ai transféré et dessiné ces touches au recto d’une façon très méticuleuse, quoique indirecte, créant ainsi une nouvelle perception. La sensation alternée se traduit par de grandes et petites touches ayant été découpées du papier en tant que forme et faisant désormais partie intégrante du dessin au recto. Elles renvoient aux traces sur une feuille, peut-être aux rongements d’un insecte. Il en ressort une imagination toute neuve dans laquelle l’approche du positif et du négatif joue également un rôle. C’est d’une beauté fascinante que je puisse parvenir à une nouvelle fantaisie à travers un dessin de base. »

Par le simple fait d’être ici
Au cours des deux dernières années, Sylvie a entamé le travail en grand format dans sa recherche de nouveaux défis dans son oeuvre en établissant une nouvelle relation avec le temps et l’espace du processus de création. Cependant, le court délai d’un mois comme période de travail est un facteur déterminant du temps disponible que l’on peut consacrer à quelque chose. Ainsi, il est impératif de faire des choix.  «Je voulais m’attaquer à tout en même temps, y compris, de nouveau, les œuvres majeures, mais je me suis rendu compte que tout ne devait pas aboutir à des résultats. Je me suis mise à aimer le travail en petit format, non seulement parce que c'est plus rapide, mais aussi pour en détecter les possibilités. Le grand format inspire aussi la peur parce qu’en travaillant je vois tout en microformat tandis que le grand pourrait m’accabler de façon à en perdre le contrôle.

Les petits formats me sont très chers. Ce sont des tests pendant lesquels j'ai déformé le papier japonais en le déchirant mais aussi en y introduisant l’aiguille. C'est ma découverte favorite. J'ai remplacé le crayon par l’aiguille et le fil. Je maîtrise parfaitement le crayon alors que maintenant je n’ai plus aucun contrôle. Tel qu’un enfant qui apprend à écrire, à être incapable de faire quelque chose, à se sentir presque impuissant et que ça fait du bien de se sentir ainsi. Ici, des choses naissent tout en ne nécessitant que très peu. Il faut du temps. Du temps, de la patience et de l’attention. Il est important d’accorder au travail l'attention dont il a besoin. "

Le paysage est trop écrasant
Le plan original de Sylvie était de dessiner des paysages à la manière de Vincent. Elle voulait travailler de manière plus expressive, mais en gardant son propre style. Muni de l'idéal que David Hockney a poursuivi dans les traces de Vincent, elle s’est également aventurée à l’extérieur pour regarder et travailler comme David et Vincent.

«Je me suis retrouvé complètement coincé dans le paysage accablant. Je voulais apprendre à regarder, à styliser et à reconstruire l'environnement pièce par pièce, tout comme eux. Comment ils relient des points de vue différents dans une même réalité. Je ne réussissais pas à transférer la diversité  des paysages sur des petits éléments stylisés ou sur des touches parce que je n’aperçois les formes des plantes et des feuilles que lorsque j’y suis tout près. En regardant le paysage de loin, je ne vois que de la lumière et de l'ombre dans les grandes formes. Je me suis donc retrouvée coincée parce que je voulais dépeindre le tout. J'ai alors abandonné la tendance à travailler de manière hyper sélective, ainsi que la perception, et ce fut une énorme délivrance. Certes, l'observation attentive est importante, mais l’approfondissement ne doit pas nécessairement être la même chose que tout voir de pied en cap. C’est bien d’avoir le contrôle, mais la question est de savoir s’il en est vraiment ainsi. Où se trouve alors la  liberté de l’esprit et de l'âme?

Au cours d’un voyage en train, je pouvais m’abandonner à créer un dessin au trait en toute spontanéité. Afin d’y passer le temps à bon escient, parce que l’exécution de mes créations est laborieuse, j'ai commencé à travailler avec ce que j'avais de disponible. Les fils et les mailles sont venus par après. Bien plus qu’une découverte, il s’agit aussi d’un sentiment avec lequel je dois continuer à travailler avant qu’il ne puisse disparaître. "

Lâcher prise et redécouvrir le plaisir
En rangeant les petites œuvres - tout aussi convaincantes - sur le rebord de la fenêtre de la galerie, Sylvie raconte comment elle était coincée dans son travail avant d’arriver ici. Son ambition et son perfectionnisme ne lui avaient pas laissé le temps de réfléchir à son travail. Elle voulait utiliser tout le temps qui lui était attribué pour faire un travail, ce qui l’empêchait finalement à voir l’essentiel. "Le plaisir dans le travail est également important parce qu’alors le temps est inexistant. Le fait de lâcher prise et de s'amuser à nouveau est ce que j'ai découvert ici. Pouvoir se détacher du résultat, réfléchir sur son propre œuvre en tant qu’artiste, puis pouvoir le transmettre. Le sens esthétique est profondément ancré en moi. Il me permet de connecter les êtres humains d’une façon visuelle. Je veux partager le sentiment de l'expérience que j'ai connu en travaillant. Je veux diffuser de l'amour et de la beauté dans le monde. Les œuvres peuvent exister par elles-mêmes et bien que je m’y sente connectée, cela ne devrait pas être un obstacle. Je ne veux pas forcer le spectateur à y voir quelque chose parce que, lui aussi, a besoin d’espace pour développer ses pensées.

Les personnes sensibles comme moi ont besoin d'un tel espace pour se replonger dans leur propre esprit afin de pouvoir mener les recherches séparément des concepts contraignants. Par exemple, ici, je me suis concentrée uniquement sur les dessins de Vincent, et non sur ses peintures. Tout comme dans un beau dessin au bistre, chaque touche représente un son en soi, une composition pleine de mouvement. La spirale est un motif resurgissant souvent dans mon travail et maintenant elle été créée par le mouvement de Vincent dans ses textes, dans ses touches. Mais les œuvres de petite taille me  sont particulièrement destinées comme je peux les emmener et continuer à travailler. Elles m’offrent plein de surprises et davantage de spatialité que j’avais ignoré auparavant. Pour moi, ce sont des œuvres spatiales sans obligation d’être considérées comme des sculptures. J'ai décidé de parfaire mes compétences en matière d’arts textiles et "dessins de couture". Je veux explorer la dimension supplémentaire enfouie dans la matérialité même si je n'en ai pas le temps. "

Septembre 2019, Esther van Rosmalen (traduit du néerlandais en français par Marie-Charlotte Lauwereins)

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'Impotence proves liberating'

The artist-in-residence generally works at AIR Van Gogh Zundert in the spacious and bright workshop next to the sexton's house. Not at all to the taste of Sylvie De Meerleer: the workshop seemed too vast, she suffered from being watched During her work period, she preferred the isolation in the attic of the historic building, which was formerly purchased by the church of Vincent van Gogh's father. The workshop, of which the windows are now blacked out, has thus served as an assembly area for works arisen from her hands.

Patterns from nature
Sylvie's works have already left  the studio and are already on display in the Van Gogh Gallery. Sinuous drawings unconsciously suggesting patterns from nature without being able to determine what they really are. Into which you get drawn and lose yourself in the details, such as in the Albrecht Dürer watercolour where a hare is hiding a whole world in its fur. “I tried to combine my own painstaking work with the expressive language of Vincent van Gogh, such as in the painting Starry Night. I had to commit myself to not to draw too much to avoid overloading. Before, I was much more likely to work without a break, then fearing to destroy something that was already good. But what you don't see is also imagination. Here, I conceived drawing as a process, a journey taking me to new destinations, different from those I had originally envisioned. The choice to stop is not necessarily aesthetic, but rather guided by a gut feeling. That is how the works of art came about that I call " twofold works". I made them by putting expressive dashes on the reverse side of the paper, whereby I was guided by external influences such as music. To me, drawing is something rhythmic, it has to do with sound. I then transferred them to the obverse and drew them in a very meticulous and secure indirect way, creating thus a new image. The alternating sensation is translated into large and small dashes that have been cut out from the paper and now form an integral part of the drawing on the obverse. They refer to traces in a leaf, perhaps to the gluttony of insects. A whole new imagination emerges from this, in which the approach to positive and negative also plays a part. What a wonderful feeling that I can move into a new imagination based upon a drawing. ”

Simply by being here
Over the past two years, Sylvie has been focussing on large sizes in the quest for new challenges in her work by establishing a new kind of relation between the time and space of the creative process. However, the short delay of one month as a work period is a determining factor in the amount of time available to achieve something. So, it is imperative that choices need to be made.  "I wanted to tackle everything at the same time, including again the large-sized works, but I then realized that not everything should lead to results. I really started to like working in small sizes, not only because it is timesaving, but also to detect its different possibilities. Besides, the large format is also frightening because while working I see everything on microform whereas the large one could be overwhelming in order to make me lose control. 

The small sizes are very dear to me. They are a kind of tests during which I deformed the Japanese paper by tearing it up, but also by piercing it with the needle. This is my favourite discovery. Instead of the pencil I have handled the needle and thread. I perfectly master the pencil while now I am out of control. Like a child who learns to write, to be unable to do something, feeling almost powerless and realizing that it feels good to feel that way. Here, things are taking shape, requiring though very little. Time is the only thing it requires. Time, patience and attention. It is of utmost  importance to give the creation the attention it needs. "

The landscape is too overwhelming
Sylvie's original plan was to draw landscapes in the way Vincent used to do. She wanted to work in a more expressive way, though safeguarding her own style. Equipped with the ideal that David Hockney pursued in Vincent's footsteps, she also ventured out to watch and work like David and Vincent. 

“I felt completely stuck in the overwhelming of the landscape. I wanted to teach myself to look at things the way they had been looking at them, how they had stylized and rebuilt the environment piece by piece. How they had been moulding different points of view into one reality. I couldn’t dwindle the myriad of the landscape to small and stylized form elements or touches because I was only able to see the shapes of plants and leaves when I was close by. Looking at the landscape from a distance, I only caught light and shadow within larger forms. I got stuck because I simply wanted to depict about everything. As I had done so with perception, I abandoned the tendency to work hyper selectively and that was a huge release. Attentive observation is important, but the scrutinizing mustn’t necessarily be the same as perceiving everything literally. Control is regarded as a good attitude, but the question is whether it really is. Where have gone then the freedom of the mind and soul? 

On a train journey, I happened to give in to it and saw myself spontaneously creating a line drawing. In order to spend my time useful while travelling, because the creation of my works is really time-consuming, I got going with what was available at the moment. After this drawing came the threads, the stitches. More than a discovery, it was also a feeling that I had to keep working on before it was gone. "

Letting go and rediscovering pleasure
While we are together arranging the small works - even so valuable - in the window sill of the gallery, Sylvie tells how she got stuck in her work before arriving here. Her ambition and perfectionism did not allow her time to reflect on her work. She wanted to spend all the time she was granted on it, which finally prevented her from seeing the most important basics. "Pleasure in work is also important, then time no longer plays a significant part. Letting go and having fun again is what I discovered here. To unleash the result, which enables you to reflect on your own work, and then propagate it. The sense of beauty is deeply rooted in me.  It allows me to connect with human beings in a visual way. I want to share the feeling of the experience I have while working. I want to spread love and beauty into the world. The works can perfectly exist by themselves and even though I feel connected to them, it shouldn’t be an obstacle. I absolutely don’t want to force the viewer to see something in it, they too need space to develop their own thoughts.

Sensitive people like me need such a space to get back into their own minds, to continue the research independently of compelling concepts. For example, here I focused solely on Vincent's drawings, and not on his paintings. Like in a beautiful bistre drawing, every touch is a sound standing on its own, a composition full of movement. In my work, the spiral is a motif reappearing every so often and now it was created by Vincent’s movements in his texts, in his touches. But the small works, they are very special to me because I can take them with me and continue working on them. They offer loads of surprises and an extra spaciousness that I had been ignoring before. To me they are endless works without having to be sculptures. I have decided to become more proficient in the textile arts and "stitch”- drawings". I want to experience the extra dimension in materiality even if I don't have time to do so. ”

Septembre 2019, Esther van Rosmalen (translated from Dutch into English by Marie-Charlotte Lauwereins)