TIJD IS ONS ENIGE ECHTE BEZIT

Het citaat van Seneca zindert nog na wanneer ik de deuren van de Brugse Biekorf Exporuimte achter me toetrek. Het interview met kunstenares Sylvie De Meerleer is veel meer geworden dan een gesprek over kunst. Het werd een filosofisch gesprek over leven en werk over alle grenzen van ruimte en tijd heen.
 

Covid legt beperkingen op. In de eerste plaats mis je tijdens het interview op afstand de lichaamstaal van  de betrokkene. De interactie via scherm of telefoon is nooit hetzelfde. En ik mis vooral de geur van het kunstenaarsatelier. Canvas dat geduldig ligt te wachten om getooid te worden met de inspiratie van het moment. Verfborstels die smachten om zich te wentelen in olie- of acrylverf, zachte waterverf te strelen of terpentijn, de grote schoonmaker van het voorbije ogenblik. Bij Sylvie lopen leefruimten en atelier in elkaar over. Ze is bezig met haar ‘Growth’- project (een 16-luik van 3m20 x 3m20) dat de woonruimte vollédig inpalmt. Daarom bereiken we een compromis om elkaar te ontmoeten voor het interview: de Exporuimte Biekorf van het Brugse Cultuurcentrum.

De precisie van een puntbeitel

Hier bevindt zich haar werk The Wall is as Soft as Lace. Het werk verraadt onmiddellijk de precisie waarmee ze werkt. Weken aan een stuk tikte de puntbeitel op de muur: concentratie en tijdloosheid, twee woorden die meer dan eens tijdens het interview zullen vallen. Sylvie lacht als ze vertelt over het ontstaan van dit werk. Tijdens het ‘work in progress’ nam ik steevast de eerste ochtendbus naar de Biekorf om aan de slag te gaan. Tik voor tik kwam het werk tot stand. Na verloop van tijd vormde het ritmisch getik een creatieve mantra. Ze voegt er aan toe dat het een van de eerste werken is die ze rechtopstaand maakte. “Meestal zit ik in kleermakerszit gebogen over mijn werk. De vloer is mijn schildersezel. Dichter bij mijn werk kan ik niet komen. Kunst is voor mij noodzakelijk, krijgt al mijn tijd. Ik heb nooit ‘beslist’ om kunstenares te worden, alsof dit een breek-, of keerpunt zou zijn op een tijdslijn. Het hangt integraal samen met wie ik ben en doe over die vollédige lijn. Elke persoon heeft zijn eigen doel in het leven, gebaseerd op zijn eigen troef of troeven. Tekenen is van kinds af vrijwel het enige geweest waar ik mij in mijn vrije tijd mee bezig hield of voor interesseerde. Door deze enorme hoeveelheid tijd er aan te wijden heeft het zich zo goed kunnen vormen en ontwikkelen.  Toen ik jong was zag ik dat vrij eng en dacht ik dat het enkel mijzelf betrof. Door ouder te worden leer je hoe je onlosmakelijk vasthangt aan andere entiteiten / identiteiten. Voel je dat je als kleine druppel kringen maakt in het water waarin je valt. Elke persoon heeft zijn eigen specifieke functie opdat de wereld zou kunnen draaien, net zoals een cel functioneert in het lichaam. Er is spanning tussen deel versus geheel. Je uiterste best doen binnen jouw deeldomein en bewegingsruimte en je tegelijk synchroon kunnen afstemmen en overgeven aan de wereld rondom, dat is wat ik nastreef

Mijn thuis is waar mijn atelier is

Tijd is inderdaad een rode draad in leven en werk van Sylvie. Haar atelier is een prikkelvrije ruimte waar afleiding gebannen is. Op foto doet het me denken aan de Totaal witte kamer waar Gerrit Kouwenaar ooit over dichtte. Zelf omschrijft ze haar atelier als een ruimte waar ze naartoe kan gaan om zich af te zonderen van de ‘realiteit’. In de stilte kan ze tijdens het tekenen de sleutel terugvinden tot de waarheid of werkelijkheid zonder sluier. Voor haar is er geen onderscheid tussen thuis en atelier, ze vloeien in elkaar over: haar thuis is haar atelier en vice versa. “Tijdens mijn opleidingen werkte ik meestal ook thuis”, vertrouwt ze me toe, “ik ging alleen naar de academie om mijn werk te tonen.” 

Het valt me op hoe ze bij elke vraag haar woorden wikt, hoe ze even bewust omgaat met taal als met haar kunst. Haar definitie van kunst verraadt ook opnieuw de grondigheid en passie waarmee ze er mee bezig is. “Kunst is voor mij een evenwicht vinden tussen de creatie met materiaal en de bewuste sturing van dit materiaal. De keuze van je potlood is even belangrijk als het bewustzijn van je lichaam tijdens het proces. Daarnaast is er ook nog een dérde component van de intentie. Ik noem het de x-factor: de ziel waarmee je iets doet is even belangrijk als de techniek die je gebruikt.

Verrast door eigen creatie

Het is heel belangrijk om openingen te laten en verrast te kunnen worden door je eigen werk. Vroeger legde ik mezelf teveel beperkingen op. Ik hield me strikt aan de opdracht, kleurde zelden buiten de lijntjes, werkte heel resultaatgericht. De klik kwam toen een van mijn docenten, Ronny Delrue, vertelde dat als je drie beelden zou maken van eenzelfde onderwerp er toch altijd een zal zijn dat je het meest aanspreekt. Het was een uitspraak waardoor er een wereld zich opende voor mij. Ik besefte dat je ook in perceptie een keuze hebt. Waarom zou je een beeld afwerken? Geef toeschouwers de kans om het zelf in te vullen. Ik ben niet de enige die in mijn beeldend werk de grens opzoekt tussen ‘proces’ en ‘product’. Er zijn wel meerdere hedendaagse, jonge kunstenaars die het onafgewerkt beeld presenteren als ‘resultaat’ en de begrenzing van het beeld(kader) in vraag stellen. De kunstenaar nodigt hierbij de toeschouwers uit om mee te treden in het scheppingsproces van het werk. Hij laat sporen na die de beeldende keuzes die hij maakt open en zichtbaar laten en die het publiek uitnodigen om mee te denken en het werk mentaal verder te voltooien. 

Daarmee beantwoordt Sylvie zonder het te weten mijn vraag wanneer een werk voor haar af is. Ook de naamkeuze van haar werken gebeurt heel organisch. Namen bereiken haar heel spontaan, sommige werken blijven naamloos. Ook hier weer aan de toeschouwer om zelf in te vullen. De verbeeldingsruimte die ze zowel aan zichzelf als aan de toeschouwer geeft is iets dat moest groeien. Vroeger wilde ze zoveel mogelijk zelf sturen en vond ze het vreselijk dat mensen haar werk anders interpreteerden. Ze wilde toen enkel haar werk tonen aan mensen die haar kunst begrepen.

Beïnvloed door Dürer en Hockney

Op de vraag welke kunstenaars haar werk beïnvloeden rolt bijna de ganse canon voorbij. “Albrecht Dürer, Jan Van Eyck, Kees Goudzwaard, Anish Kapoor, Lucian Freud, Anselm Kiefer, Ante Timmermans, Andy Goldsworthy, Vincent Van Gogh, David Hockney, Anni Albers, Louise Bourgeois, Robert Devriendt, … mijn lijst is eindeloos lang en divers! Onvermijdelijk en indirect beïnvloeden dezelfde kunstenaars die ik hierboven opsom en bewonder, mijn werk. Daarnaast zijn er ook de gesprekken met mensen aan wie ik mijn werk toon of die mijn werk gezien hebben. In mijn naaste kring zijn dit Karen Vermeren, Hans Demeulenaere en Ronny Delrue als kunstenaar-collega’s, maar zeker en vast ook de curator en kunstcriticus Stef Van Bellingen. Hij heeft een ongelooflijk scherpe en analytische blik op kunst en draagt een zeer ruime bagage met zich mee om werk zowel op beeldend als inhoudelijk vlak in een ruimer kader te plaatsen en boeiende referenties mee te geven. Ik beschouw hem als mijn ‘vader’ binnen de kunstwereld. Op deze manier kwam ik ten slotte ook in contact met mijn Duitse galerie Martin Kudlek. Ik moet wel toegeven dat mijn galerist meer dan eens zelf naar mijn werk moet polsen. Ik heb altijd schrik om beïnvloed te worden als kunstliefhebbers zich uitspreken voor een bepaalde stijl.  Het is natuurlijk onmogelijk om jezelf hermetisch af te sluiten van de wereld. Je staat steeds in wisselwerking en contact met een grotere context om je heen waar je gewild of ongewild, bewust of onbewust, door beïnvloed wordt. 

Ook hier valt opnieuw op dat Sylvie het woord afsluiten in de mond neemt. Op de vraag of er teveel beelden en dus ook prikkels in de wereld zijn, antwoordt ze dat dit een heel interessante insteek is. Ze geeft toe dat ze nog meer moet leren filteren, nog selectiever kijken en vervolgens keuzes maken. Het probleem is volgens haar niet zozeer de overvloed aan beelden maar het eerder gebrek aan een concreet referentiekader hoe we een selectie kunnen doorvoeren. 

Een van de bewuste selecties die ze alvast wel doorvoerde in haar werk is het beperkte gebruik van kleur. Haar werken zijn monochrome zenmomenten op doek of papier. Ze voelt zich goed bij deze soberheid die aanwezig wil zijn zonder op te vallen. Of dit niet haaks staat op het vibrante kleurenpalet van Hockney geeft ze toe dat het zijn werk heeft leren appreciëren door er over zijn inhoudelijk en beeldend onderzoek te lezen. 

Bij het afscheid vraag ik haar nog met welk woord ze haar werk zou omschrijven. Zonder aarzelen zegt Sylvie contemplatie en voegt er al lachend aan toe dat ze een schone som zou betalen om Anish Kapoors slogan ‘As an artist I have nothing to say’ te mogen gebruiken. De woonruimte annex atelier roept haar terug. Wanneer onze wegen splitsen besluit ik dat deze kunstenares wel veel te zeggen en te tonen heeft. 

Yves Joris, ‘Kunstletters’ #12 - Januari 2021

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LE TEMPS EST LE SEUL BIEN QUI NOUS APPARTIENNE VRAIMENT.

La citation de Sénèque hante encore mon esprit en fermant les portes du Brugse Biekorf Exporuimte derrière moi. L’interview avec l’artiste Sylvie De Meerleer est devenue beaucoup plus qu’une conversation sur l’art. Elle s’est transformée en entretien philosophique sur la vie et le travail au-delà de toutes les frontières de l’espace et du temps.  

 

Le Covid-19 nous impose des limites. Tout d’abord, il nous manque le langage corporel de la personne concernée lors de l’interview à distance. L’interaction par écran ou par téléphone n’est jamais pareille. Et, surtout, il me manque l’odeur de l’atelier d’artiste. Le canevas qui s’impatiente de se faire orner de l’inspiration du moment. Des pinceaux qui languissent à se vautrer dans la peinture à l’huile ou acrylique, à caresser la douceur de l’aquarelle ou de la térébenthine, cette impitoyable femme de ménage de l’instant écoulé. Chez Sylvie, les espaces de vie et l’atelier s’enchaînent. Elle est en train de travailler sur son projet ‘Growth’ ( un volet en 16 parties de 3m20 x 3m20 ) qui a entièrement envahi le living. Ainsi, nous avons fait le compromis de nous rencontrer pour l’interview dans l’ Exporuimte Biekorf du Brugse Cultuurcentrum.

La précision du burin à pointe.

Ici s’affiche son oeuvre The Wall is as Soft as Lace. L’oeuvre dévoile immédiatement la précision avec laquelle elle opère. Durant des semaines entières, le burin à pointe a tapé sur le mur : la concentration et l’intemporalité, les deux mots qui lui échapperont de la bouche à plusieurs reprises lors de l’interview. Sylvie rit lorsqu’elle raconte la naissance de cette œuvre. Au cours du ‘work in progress’, je prenais invariablement le premier bus du matin direction Biekorf pour m’y mettre. L’œuvre s’est développée au rythme des tic-tac. Au fil du temps, le tapotement rythmique s’est transformé en mantra créatif. Elle y ajoute que c’est une des premières œuvres à avoir été réalisée en se tenant debout. « La plupart du temps, je suis assise jambes croisées en tailleur, le dos courbé vers mon travail. Le sol est mon chevalet. Je ne peux me rapprocher davantage de mon travail. Pour moi, l’art est indispensable, je lui consacre tout mon temps. Je n’ai jamais ‘pris la décision’ de devenir artiste comme si c’était un point de rupture ou un moment charnière sur un axe temporel. Cela est intégralement lié à qui je suis et ce que je fais sur toute cette ligne. Chaque personne a son propre objectif dans la vie, basé sur son ou ses atouts personnels. Dès mon plus jeune âge, le dessin était presque la seule chose qui m’intéressait et qui me tenait occupée pendant mes loisirs. En lui consacrant une quantité énorme de temps, il a pu être façonné et développé à sa guise. Toute jeune, je l’envisageais d’une façon assez étroite en pensant que ça ne concernait que moi-même. En prenant de l’âge, on apprend que l’on est inextricablement accroché à d’autres entités/identités. On sent qu’en tant que petite goutte, on peut faire des ronds en tombant dans l’eau. Chaque personne a sa propre fonction spécifique pour faire tourner le monde, tout comme la cellule fonctionne dans le corps. Il y a une tension entre la parcelle par rapport à l’ensemble. Faire un effort substantiel dans son domaine attribué et dans sa marge de manœuvre et, en même temps s’aligner et s’abandonner synchroniquement au monde qui nous entoure, c’est ma quête à moi.

Mon atelier est mon chez-moi.

En effet, le temps est le fil conducteur dans la vie et l’œuvre de Sylvie. Son atelier est un espace non-incitatif où toute distraction est bannie. En photo, il me fait penser au Totaal witte kamer du poète Gerrit Kouwenaar. Elle-même, elle décrit son atelier comme un endroit où elle peut se réfugier pour s’isoler de la ‘réalité’. En dessinant dans le silence, elle peut retrouver la clé de la vérité ou de la réalité sans voile. Pour elle, il n’y a aucune différence entre le chez-soi et l’atelier, ils ne font qu’un : son chez-soi est son atelier et vice versa. « Lors de ma formation, je travaillais également pour la plupart du temps à la maison », me confie-t-elle, « je me pointais seulement à l’académie pour montrer mon travail. »

J’ai remarqué, qu’à chaque question, elle pèse ses mots, qu’elle gère consciencieusement la langue tout comme elle le fait pour son art. Sa définition de l’art révèle une fois de plus sa profondeur et sa passion qui l’occupent en l’exerçant. « Pour moi, l’art c’est trouver un équilibre entre la création avec le matériau et le pilotage consciencieux de ce matériau. Le choix du crayon est tout aussi important que la conscience du corps lors du processus. En outre, il y a aussi un troisième composant, celui de l’intention. Je l’appelle l’élément déclencheur : l’âme performante importe autant que la technique utilisée.

La surprise de sa propre création.

Il est très important de laisser des ouvertures et de se faire surprendre par son propre œuvre. Avant, je m’imposais trop de restrictions. Je me tenais strictement à la consigne, ne sortais que rarement des sentiers battus et étais fort axée sur les résultats. Le déclic m’est survenu lorsqu’un de mes professeurs, Ronny Delrue,  me racontait que si l’on faisait trois images d’un même sujet, il y en aura toujours une qui nous plairait plus. Cette affirmation a ouvert tout un monde pour moi. Je me suis rendu compte qu’on avait également le choix dans la perception. Pourquoi terminerait-on une image ? Donnez aux spectateurs l’occasion de la compléter eux-mêmes. Je ne suis pas la seule à rechercher dans mon art plastique la limite entre le ‘processus’ et le ‘produit’. Il y a encore d’autres jeunes artistes contemporains présentant l’oeuvre inachevée comme ‘résultat’, en remettant en cause la limitation du cadre visuel. Par cet état d’esprit, l’artiste invite les spectateurs à l’accompagner dans le processus de création de l’œuvre. Il laisse des traces tout en ouvrant et visualisant ses choix plastiques, invitant ainsi le public à réfléchir avec lui afin de pouvoir mentalement compléter l’œuvre.

Ce disant, Sylvie répond inconsciemment à ma question concernant quand elle considère une œuvre comme terminée. Ainsi, le choix des noms de ses œuvres est d’ordre organique. Les noms lui viennent spontanément, certaines œuvres restent sans titre. Là aussi, c’est au spectateur d’en disposer librement. L’aire de l’imagination, qu’elle permet tant à elle qu’au spectateur, est une chose qui devait s’accroître. Jadis, elle voulait surtout tout gérer elle-même et trouvait navrant que le public interprétait son œuvre d’une autre façon. A cette époque, elle ne voulait montrer son œuvre qu’à un public apte à comprendre son œuvre.

Influencée par Dürer et Hockney

A la question quels artistes ont influencé son œuvre, elle énumère quasiment toute la grande pléiade. “Albrecht Dürer, Jan Van Eyck, Kees Goudzwaard, Anish Kapoor, Lucian Freud, Anselm Kiefer, Ante Timmermans, Andy Goldsworthy, Vincent Van Gogh, David Hockney, Anni Albers, Louise Bourgeois, Robert Devriendt, ... ma liste est d’une longueur interminable et variée ! Il est inévitable que ses mêmes artistes mentionnés ci-dessus, que j’admire, aient indirectement influencé mon travail. En plus, il y a aussi les échanges avec des personnes auxquelles j’ai montré mon travail ou qui ont vu mon travail. Dans mon entourage immédiat, il s’agit de Karen Vermeren, Hans Demeulenaere en Ronny Delrue, des collègues-artistes, mais absolument aussi du conservateur et critique d’art, Stef Van Bellingen. Il a un regard invraisemblablement pénétrant et analytique sur l’art et trimbale des bagages énormes avec lui afin de pouvoir placer une œuvre dans un cadre plus vaste, tant sur le plan plastique que sur le plan substantiel, et de la couvrir de références fascinantes.  Je le considère comme mon ‘père’ dans le monde artistique. De cette même façon, je suis aussi entrée en contact avec ma gallérie allemande Martin Kudlek. Je dois l’avouer, la plupart du temps c’est mon galeriste lui-même qui doit prendre des nouvelles de mon travail. J’ai toujours peur de subir des influences lorsque des amateurs d’art s’expriment sur un certain style. Bien sûr, il est impossible de se reclure hermétiquement du monde. On se retrouve toujours en interaction et contact dans un plus grand contexte qui nous entoure et par lequel on est influencé qu’on le veuille ou non, consciemment ou inconsciemment. 

Ici aussi, il m’apparaît que Sylvie emploie, une fois de plus, le mot réclusion. Lorsque je lui demande s’il y a trop d’images ou de stimuli dans le monde, elle me répond que là j’ai abordé une piste très intéressante. Elle admet qu’elle doit apprendre à filtrer davantage, à regarder plus sélectivement encore pour faire des choux par après. Selon elle, le problème ne réside pas spécialement dans l’affluence des images, mais plutôt dans le manque d’un cadre de référence concret qui permettrait d’effectuer une sélection.

Une des sélections concernées, qu’elle a d’ores et déjà réalisée dans son œuvre, est l’emploi limité de couleur. Ses œuvres sont des moments zen sur toile ou papier. Elle se sent dans son assiette dans cette frugalité qui se veut être présente sans se faire remarquer. A la question si cette attitude ne serait pas à l’encontre de la palette de couleurs vibrante de Hockney, elle reconnaît avoir appris à apprécier son œuvre en ayant lu ses propos sur ses recherches substantielles et plastiques.

En prenant congé d’elle, je lui demande encore par quel mot elle définirait son œuvre. Sans aucune hésitation, elle me répond contemplation et y ajoute en riant qu’elle payerait cher pour pouvoir se servir du slogan d’ Anish Kapoor : ‘As an artist I have nothing to say !’. Le living annexe atelier la rappelle à l’ordre. Lorsque nous nous séparons, je constate que cette artiste a, en effet, beaucoup à dire et à montrer.

Yves Joris, ‘Kunstletters’ #12 – Janvier 2021 (traduit du néerlandais en français par Marie-Charlotte Lauwereins)

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TIME IS THE ONLY PROPERTY WE REALLY OWN.

Seneca’s quote is still dwelling in my mind while I shut the doors of Bruges’ Biekorf Exporuimte. The interview with artist Sylvie De Meerleer  has turned out to be far more than a conversation about art. It became a philosophical talk on life and work beyond all borders of space and time.

 

Covid-19 imposes restrictions. Primarily, the body language of the person concerned is lacking throughout a remote interview. The interaction between a screen and a telephone is never the same. And I particularly miss the whiff of the artist’s studio. The canvas patiently waiting to be adorned with the inspiration of the moment. Paintbrushes yearning to be wallowed in oil or acrylic paint, to caress soft watercolour or turpentine, the major cleaner of the previous moment. At Sylvie’s, living spaces and studio blend into each other. She’s working on her ‘Growth’- project (a sixteen-piece of 3m20 x 3m20) which completely monopolizes her living-room. Hence, we’ve made a deal to meet for the interview at the Exporuimte Biekorf of the Brugse Cultuurcentrum.

The precision of a fine-finishing chisel.

The Wall is as Soft as Lace is located right here. The work of art instantly reveals the precision with which she works. For weeks, the fine-finishing chisel has been ticking on the wall: concentration and timelessness, the two words that will frequently show up during the interview. Sylvie is laughing when talking about the origin of the work. When carrying out the ‘work in progress’, I consistently took the first bus in the morning to the Biekorf to get on with it. Tick by tick, the work was becoming alive. As time went by, the rhythmic ticking had been transformed into a creative mantra. She ads that it’s one of the first works she realized standing upright. “I’m usually sitting cross-legged, bent over my work. The floor is my easel. This is the closest I possibly can be to my work. Art is indispensable to me, gets all my time. I never decided to become an ‘artist’ as if it would have been some breaking or turning point on a timeline. It’s an integrated part of who I am and what I do over the entire line. Each person is pursuing his own goal in life, grounded on his personal, own asset(s). Ever since I was a child, drawing was pretty much the only pastime to furnish my spare time and claiming my attention. Thanks to the enormous amount of time I spent on it, it got the opportunity to be shaped and developed. At a young age, I looked at it in a rather narrowminded way and considered it merely as a me-thing. With age, one learns that one is inextricably hanging onto other entities/identities. You feel like a small, tiny drop making ripples into the water on falling into it. Each individual has his own specific function to make the world go round, just like a cell within the body. There’s a tension between the part versus the lock stock. To do my utmost best within my sub-domain and wiggle room, and to align in sync with and surrender to the surrounding world, that’s what I want to achieve.

Home is where my studio is.

As a matter of fact, time is the main thrust in Sylvie’s life and work. Her studio is a stimuli-free area where any distraction has been banished. On picture, it reminds me of the Totaal witte kamer, a poem once written by Gerrit Kouwenaar. She herself defines her studio as an area of isolation to withdraw from ‘reality’. While drawing in complete silence, she can recover the key to the truth or to the unveiled reality. To her, there’s no distinction between home and the studio, they blend together: home is her studio and vice versa. “During my training, I was usually working at home”, she confides to me, “I only went to the Academy to show my work.”

It strikes me how she’s hemming and hawing her words on answering each question, how she deals with language as consciously as with her art. Her definition of art discloses once again the depth and passion with which she handles it. “To me, art is finding a balance between the creation using the material and the persistent steering of the material. The choice of one’s pencil is as important as the awareness of one’s body during the workflow. In addition, there’s also a third component called the intention. I call it the X-factor: the guiding spirit is as prominent as the technique one applies.

Surprised by own creation

It’s of utmost importance to leave voids and to be taken aback by one’s own work. Before, I was imposing too many restrictions onto myself. I kept myself strictly to the assignment, didn’t allow myself to create outside the box, worked very result-oriented. The U-turn was launched when one of my teachers, Ronny Delrue, told me that if you would make three images of a same subject, there would always be one more appealing to you. This statement suddenly opened a whole new world to me. I realized there was also a choice offered in perception. Why would you complete an image? Leave the spectators free to fill in the void themselves. In my visual art I’m not the only one exploring boundaries between ‘process’ and ‘product’. There are indeed multiple, young, contemporary artists displaying the unfinished image as the ‘final product’, thus questioning the confines of the image frame. This way, the artist is inviting the spectators to co-perform in the creative process of the work of art. He leaves traces, opening and unhiding the visual choices he made, to invite the public to think along and mentally complete the work. By this, Sylvie unknowingly answers my question concerning when, according to her, a work of art is considered complete. The choice of name for her works also belongs to the organic sphere. Titles pop up spontaneously whereas some other works remain nameless. It’s up to the spectator to intervene by his own feeling. The imaginative space, relegated to herself and the public is something that had to grow. Before, she wanted to steer as much as possible by herself and thought it was awful that people were interpreting her work from a different angle. At that time, the only thing she wanted was to show her creations to people who understood her art.

Influenced by Dürer and Hockney.

On asking which artists are influencing her, a dazzling set of them unfolds. “Albrecht Dürer, Jan Van Eyck, Kees Goudzwaard, Anish Kapoor, Lucian Freud, Anselm Kiefer, Ante Timmermans, Andy Goldsworthy, Vincent Van Gogh, David Hockney, Anni Albers, Louise Bourgeois, Robert Devriendt, …my list is a never-ending and diverse one! It’s inevitable that these artists, as mentioned above,   indirectly have an impact on my work because I admire them. Apart from this, there still are the conversations with the people to whom I’ve shown my work or who have seen my work. Within my close circle they are Karen Vermeren, Hans Demeulenaere and Ronny Delrue as a fellow artist, but definitely too the curator and art critic Stef Van Bellingen. He has a phenomenal sharp and analytic view on art and possesses a tremendous luggage to carry along so as to put a work of art in a broader perspective, on both a visual and substantial level, also providing enthralling references.

I consider him as my ‘father’ in the art world. That’s how I also finally got in touch with my German gallery Martin Kudlek. I must admit though that, most of the time, my gallery owner has to check about my work himself. I fear to be influenced whenever art lovers express their opinions as far as a certain style is concerned. Of course, it’s absolutely impossible to hermetically wall off oneself from the world. There’s always an interaction and contact within a larger context surrounding you whereby, either willing or not, conscious or not, you will be influenced.

Striking once again that Sylvie has used the verb to wall off.  On asking her if there are too many images and also too many stimuli in the world, she replies this seems to be a very interesting approach to her. She admits she still has to learn to filter more, to watch in a more selective way in order to make choices.  According to her, the problem lies not so much in the abundance of images but rather in the lack of a specific frame of reference showing us how to implement a selection. 

One of the intentional selections she did implement in her work is the low use of colour. Her works are monochrome Zen-moments on canvas or paper.  She feels good in this sobriety which wants to be present without being noticed. On uttering if this is not at odds with Hockney’s vibrant colour palette, she acknowledges that she has learned to appreciate his oeuvre through reading about his substantial and visual research. 

As we say goodbye, I ask her which word she would choose to define her work. Without any hesitation she answers Contemplation and, with a smile, she adds that she would be willing to spend a huge amount of money if she was allowed to use Anish Kapoor’s slogan ‘As an artist I have nothing to say.’. Her living room slash studio is calling. When we are each going our separate ways, I conclude that this artist has indeed a lot to say and to show.

Yves Joris, ‘Kunstletters’ #12 - January 2021 (translated from Dutch into English by Marie-Charlotte Lauwereins)