'SYLVIE DE MEERLEER in de Bogardenkapel', 2021 - André Baert (NL, FR, ENG)

SYLVIE DE MEERLEER in de Bogardenkapel Brugge

De BOGARDENKAPEL past perfect in de architecturale traditie van Brugge. Ziet er oud uit, is het gedeeltelijk ook, en triomfeert onzichtbaar in leeftijd over de recreaties van eind 19de begin 20ste eeuw. Doet er niet toe: het is een ideaal laboratorium voor de actuele (jonge) kunst in Brugge. Net als in de tentoonstellingen van HISK en KASK is het niet altijd makkelijk te doorgronden. Vandaar onze lijfspreuk: ga aan de babbel met de kunstenaar (hij/zij).

Een indruk

Op een bepaald moment in het gesprek noemt ze haar werken abstract, terwijl we net de indruk hadden dat de werken als het ware ‘krioelen.’ Zoals in een bacteriologische kweek die een niet te vatten vorm heeft die met een eigen onregelmatige dynamiek (noem het geen kracht of energie a.u.b.) metamorfoseert. Van de ene vorm naar de andere. Van geometrisch nul naar organische suggestie. In kunst is leunt dat tegenaan lyrisch abstract, verhalend abstract.

Een snelle indruk van enkel poëzie is onvolledig. Er is zoveel structuur: van de papiervezel, van de korrel die uit het maken van papier ontstaan en die elke lijn in een door de korrel gekozen richting dwingt. Materiaal beslist mee, de hand traceert in een contrast van papierwit, potloodzwart, papierwit. Nooit recht, altijd bijna onzichtbaar frivool in houtskooluitlopertjes van de dans op en langs de papierkorrel.

The Rhythm is a Drawer

Niets is chaos, alles kan klein worden na een monumentale uitganspunt of groot door de arbeidsintensieve geste die ze het liefst lijflijk tegenaan de grond uitzet. Zoals VAN GOGH die los van alle tradities maar vanuit die tradities de brug maakt tussen wat in de hitte van Arles beeft en wat daarvan in een warrel van verf, pallet, borstelvegen, via het lichaam met een soort pijn door Van Gogh in licht wordt omgezet. Zo maakt Sylvie DE MEERLEER op rugzijde van in houtskool getekende grashalmen een nieuw tracé met letterlijke doorprikken die de oningevuld spaties in reliëf zetten. De tegenstelling, de rugzijde, de contradictie krijgen een eigen leven; het oorspronkelijke, de voorzijde, is een wazige maar noodzakelijke herinnering.

“Je krijgt wat je geeft, je wordt wie je bent en daarover heen weten we alles al.” Ieder mens draagt de gehele filosofie in zich. Academische filosofen zetten daar sokkels onder, wat de leegte invult vanaf het eerste nadenken, dat is de echte filosofie. De kunstenaar moet die leegte opzoeken, omdat die leidt naar perspectief en vandaaruit naar tijd en ruimte. Niet fiks vooruit huppelend van vraag naar antwoord naar vraag. ‘Niet lineair maar circulair’ noemt ze het. Omheen elke prik, elke korrel de vraag stellen over tijd en ruimte en pas dan de volgende minuscule stap zetten, altijd in het licht, het noorderlicht dat de kleuren niet opvreet. Er zijn feitelijk geen kleuren anders dan de tinten van wit en zwart. Het traag, sober verhaal van zichtbaar en onzichtbaar, zien en niet zien, zijn en niet zijn, tastbaar en niet tastbaar. Los zijn. En daardoor eigenlijk ook niet.

Het ritme is de tekenaar

De tekenaar is de technisch kundige maker. In het appreciatie-traject staat techniek naast alle andere waarderingen. Een techniek die door het dreunend ritme rust geeft aan de kunstenaar, geeft eenzelfde soort rust aan de aandachtige kijker. Een ritme kan doorbroken of onderbroken worden door korte, herhalende of bruuske signalen van een andere materie, door het wegnemen van materie, het creëren van een onverwachte leegte. Een moment van rust en meditatie of reflexie die door een onverwachte vraag in onzekerheid geklemd wordt. Daarop volgt de tweede vraag, de tweede wandeling langs lijnen, prikken, contrasten. Langs begrijpen of aanvoelen van het verlengde van de kunstenaar.

Kunst is als taal: ieder woord heeft zijn plaats in een zin. Een woord te veel verslapt de aandacht. Doodt het geheel van de zin, het gedicht, het verhaal. Een experiment dat loopt tot over de overdaad valt in een gat van stilte, van verloren inhoud. Een spiraal, zoals deze op de muur gehamerd of op de grond gestift is vrij tot aan de rand van het vierkant of van de muur. Hoe lang kan je wegblijven van de rand en toch doorgaan in dit ritme van de tekenaar? Kan je overleven binnen grenzen? En wat als je in die strenge concentratie plots verstoord wordt? De onderbreking is interessant wanneer het terug te vinden is als nieuw. Niet altijd zichtbaar voor de bezoeker, dan wel voor de maken. Of wie met een microscoop de doorloop onderzoekt.

Onderzoek

Ze verwijst ook naar David HOCKNEY. Je moet hem bezig zien. Bijvoorbeeld met zijn tot multicamera omgebouwde Landrover (denk ik) waarmee hij de meest banale maar fotogenieke en nadien dan schilder-genieke landschapsdreven ‘vastlegt’ in contouren die via de kunde van de computer – de robot die leven maakt - gekleurd worden. Het structureel werk van observeren, herdefiniëren tot een strakker beeld van contourlijnen, invullingen en leegtes. Een duurzame puzzel vol details – alles eerst UIT elkaar en past het hoe dan ook opnieuw IN elkaar – uit bewust gekozen of vergeten materiaal in een fragiel licht. In een tijd van nieuwe eindtermen, zou ook dit moeten ingeschreven staan: veel meer ‘aandacht hebben voor het kijken naar kunst. Men vergeet te vaak dat kunst het uiteinde is van alle menselijke daden. Wat we zijn wordt in kunst uitgebeeld. De hedendaagse symboliek, de metafoor van elke vorm van be-leven. Door nadenken en filosoferen in de linkerhersenhelft de creativiteit in rechterhersenhelft stimuleren. (In dat verband verwijst ze naar de auteur Betty EDWARDS en haar boek ‘Drawing on the Right Side of the Brain.’)

CultuurContaCt in Dialoog - André BAERT, Februari 2021
________

SYLVIE DE MEERLEER à la Bogardenkapel Bruges

Cette BOGARDENKAPEL s'inscrit parfaitement dans la tradition architecturale de Bruges. Elle a l'air vieille, en partie elle l'est en effet, et triomphe invisiblement en âge sur les reconstitutions de la fin du 19ème et du début du 20ème siècle. Mais peu importe : c'est un laboratoire idéal pour l'art (jeune) contemporain à Bruges. Comme dans les expositions de HISK et KASK, il n'est pas toujours facile à cerner. D'où notre devise : ouvrir un dialogue avec l'artiste (lui/elle).

Une impression

À un moment donné de la conversation, elle qualifie ses œuvres d'abstraites, alors que nous avions plutôt l'impression que les œuvres "fourmillaient" pour ainsi dire. Comme c’est le cas avec une culture bactériologique ayant une forme impalpable et qui se métamorphose par sa propre dynamique irrégulière (ne le qualifiez surtout pas de force ou énergie). Passant d'une forme à une autre. Du zéro géométrique à la suggestion organique. En art, cela s’approche de l'abstraction lyrique, l'abstraction narrative. 

Une impression rapide de seulement de la poésie est incomplète. Il y a tellement de structure : de la fibre du papier, du grain résultant de la fabrication du papier et forçant chaque ligne dans une direction choisie par le grain. La matière a son mot à dire, la main dessine dans un contraste de papier blanc, de crayon noir, de papier blanc. Jamais droit, presque toujours invisiblement frivole par les émergences de charbon de bois pendant la danse sur et le long du grain de papier.

The rhythm is a drawer

Rien n'est chaos, tout peut se rapetisser après un point de départ monumental ou s’élargir à travers sa gestuelle laborieuse qu'elle préfère positionner physiquement au ras du sol. Comme VAN GOGH, qui détaché de toutes les traditions mais partant d'elles, crée le pont entre ce qui vibre dans la chaleur d'Arles et ce qui, dans un tourbillon de peinture, de palette, de coups de pinceau, est transformé en lumière par Van Gogh lui-même, comme une sorte de douleur quittant son corps. Il en est de même chez Sylvie DE MEERLEER qui, en dessinant au fusain sur le dos de brins d’herbes trace un nouveau parcours avec des perforations, au sens propre, qui mettent en relief les espaces vides. Le contraire, le verso, la contradiction mènent leur propre vie ; l'original, le recto est un souvenir flou, quoique indispensable. 

"On obtient ce que l'on donne, on devient ce que l'on est et à ce sujet l’on sait déjà tout." Chaque être humain porte en lui l'ensemble de la philosophie. Les philosophes académiques ont besoin de socles pour cela, mais ce qui remplit le vide dès la première réflexion, c'est là, la vraie philosophie. L'artiste doit rechercher ce vide, car il conduit à la perspective et à partir de là, au temps et à l'espace. Ne pas sautiller tout droit en avant d'une question à une réponse. ‘Pas de façon linéaire, mais circulaire", dit-elle. Se poser la question concernant le temps et l'espace autour de chaque piqûre, de chaque grain, et seulement faire ensuite l’infime pas suivant, toujours dans la lumière, l'aurore boréale qui ne dévore pas les couleurs. En fait, il n'y a pas d'autres couleurs que les nuances du blanc et du noir. C’est l'histoire lente et sobre du visible et de l'invisible, de voir et de ne pas voir, d’être et de ne pas être, du tangible et de l’intangible. Être détaché. Et de ce fait, ne pas l’être non plus.

Le rythme est le dessinateur

Le dessinateur est le créateur techniquement compétent. Dans le processus d'appréciation, la technique se trouve à côté de toutes les autres évaluations. Une technique apportant la paix à l’artiste par son rythme de retentissement, ressuscite aussi une quiétude pareille chez le spectateur attentif. Un rythme peut se briser ou être interrompu par des signaux courts, répétitifs ou abrupts provenant d'une autre matière, par le retrait d’une matière, la création d'un vide imprévu. Un moment de repos et de méditation ou de réflexion qui se trouve submergé par l'incertitude provenant d’une question inattendue. Il en suivra une seconde question, la deuxième randonnée le long des lignes, des perforations, des contrastes. En saisissant ou en ressentant le sillage de l'artiste.

L'art est pareil au langage : chaque mot a sa place dans une phrase. Un mot de trop affaiblit l'attention. Tue la phrase entière, le poème, l'histoire. Une expérience qui touche à l’excès, tombe dans un abîme de silence, de contenu perdu. Une spirale en telle, martelée sur le mur ou tracée au feutre sur le sol, a toute sa liberté jusqu'au rebord du carré ou du mur. Pendant combien de temps peut-on rester loin du rebord et continuer malgré tout à suivre ce rythme du dessinateur ? Peut-on survivre dans les limites ? Et que se passe-t-il lorsque l’on est soudainement perturbé dans cette stricte concentration ? L'interruption est intéressante lorsqu'elle peut être récupérée comme neuve. Non pas toujours perceptible au visiteur, mais bien au créateur. Ou pour celui qui scrute le processus au microscope.

Recherche

Elle réfère également à David HOCKNEY. Vous devriez le voir en oeuvre. Par exemple, avec sa Landrover (je crois), convertie en multi-caméra, avec laquelle il "capture" les paysages les plus banals cependant photogéniques et devenant picturaux par la suite, dans des contours colorés, grâce aux compétences de l'ordinateur, ce robot qui fait la vie. Le travail structurel d'observer, de redéfinir afin d’obtenir une image épurée de contours, d’interprétations et de vides. Un puzzle pérenne bourré de détails - d'abord tout DESassembler pour à nouveau assembler quoi qu’il arrive - fait de matériaux délibérément choisis ou oubliés, sous une lumière fragile.

A une époque de nouveaux objectifs finaux dans l’enseignement, cela devrait également y être intégré : ‘prêter davantage d’attention à la contemplation de l’art’. Bien trop souvent l’on oublie que l’art est l’aboutissement de toutes les actions humaines. Ce que nous sommes se visualise dans l’art. Le symbolisme contemporain, la métaphore de toutes les formes du vécu. En réfléchissant et en philosophant moyennant l’hémisphère gauche, on arrive à stimuler la créativité de l’hémisphère droit. (A cet égard, elle renvoie à l’auteure Betty EDWARDS et son livre ‘Drawing on the Right Side of the Brain.’)
 
CultuurContaCt in Dialoog - André BAERT, Février 2021 (traduit du néerlandais en français par Marie-Charlotte Lauwereins)
________

SYLVIE DE MEERLEER at the Bogardenkapel Bruges

This BOGARDENKAPEL fits perfectly into the architectural tradition of Bruges. It looks old, in part it is indeed old, and invisibly triumphs in age over the reconstructions of the late 19th and early 20th century. But it doesn't matter: it is an ideal laboratory for (young) contemporary art in Bruges. Such as in the exhibitions of HISK and KASK, it isn’t always easy to pinpoint. Hence our motto: let’s have a chat with the artist (him/her).

An impression

At one point in the conversation, she describes her works as abstract, whereas we had the impression that the works were like "wriggling around", so to speak. As is the case with a bacteriological culture that has an impalpable form and that metamorphoses through its own irregular dynamics (please, don't call it force or energy). Moving from one form to another. From geometric zero to organic suggestion. In art, this approaches lyrical abstraction, narrative abstraction.

A quick impression of only poetry is incomplete. There is so much structure involved: from the fibre of the paper, from the grain as a result of the papermaking process and forcing each line in a direction chosen by the grain. The material has its say, the hand draws contrasting with the paper white, the black pencil, the paper white. Never straight, almost always invisibly frivolous by the slip-ups of charcoal during the dance on and along the paper grain.

The rhythm is a drawer

Nothing is chaos, everything can shrink after a monumental starting point or expand through her laborious gestures which she prefers to position physically at ground level. Like VAN GOGH, who detaches himself from all traditions but starting from them, creates the bridge between what vibrates in the heat of Arles and what, in a whirlwind of paint, palette, brushstrokes, is transformed into light by Van Gogh himself, like a kind of pain leaving his body. The same is true of Sylvie DE MEERLEER who, by drawing in charcoal on the back of blades of grass, traces a new track by means of perforations, in the literal sense of the word, which highlight the empty spaces. The opposite, the backside, the contradiction each lead their own life; the original, the front, is but a blurred memory, albeit an indispensable one.

"You get what you give, you become who you are and about that we already know everything." Every human being carries within him the entire philosophy. Academic philosophers need plinths for this, but what fills the void from the very first reflection is true philosophy. The artist must seek this emptiness, because it leads to perspective and, from there, to time and space. Do not jump straight ahead from a question to an answer to a question. “Not in a linear way, but in a circular way," she says. Ask yourself the question about time and space around every puncture, every grain, and only then take the next tiny step, always following the light, the aurora borealis, which does not devour the colours. In fact, there are no other colours than the shades of white and black. It is the slow and frugal story of the visible and the invisible, of seeing and not seeing, of being and not being, of the tangible and the intangible. To be detached. And hence, not to be it either.

Rhythm is the drawer

The drawer is the technically competent creator. In the evaluation process, technique is next to all other evaluations. A soothing technique for the artist, through its grinding rhythm, also engenders such a kind of tranquillity in the attentive spectator. A rhythm can be broken or interrupted by short, repetitive or abrupt signals from another material, by the withdrawal of a material, thus creating an unexpected void. A moment of rest and meditation or reflection being overwhelmed by uncertainty arising from an unexpected question. Then comes the second question, the second walk along lines, punctures, contrasts. By grasping or feeling the artist's extension.

Art is like language: in a sentence there’s a place for every word. One word too many weakens the attention. Kills the whole sentence, the poem, the story. An experiment biting off too much, falls into an abyss of silence, of lost content. Such a spiral, hammered on the wall or traced with a felt pen on the floor, enjoys complete freedom to the edge of the square or the wall. For how long can one stay away from the edge and still continue to follow the drawer's rhythm? Can one survive within the limits? And what will happen when one is suddenly distracted in this strict concentration? The interference is interesting when it can be reclaimed as new. Not always perceptible to the visitor, but to the creator. Or to the one scrutinising the process under the microscope.

Investigation

She also refers to David HOCKNEY. You should see him at work. For example, with his Landrover (I think so), converted into a multi-camera, with which he "captures" the most banal yet photogenic landscapes becoming then picture-genic , in coloured contours, thanks to the skills of the computer, this life-making robot. The structural work of observing, redefining in order to obtain a clean image of contours, interpretations and voids. A perennial jigsaw puzzle full of details - first of all to DISassemble in order to REassemble again whichever - made of deliberately chosen or forgotten materials, under a fragile light.

At a time of new end goals for the educational system, this should also be part of them: ‘paying more attention to the contemplation of art’. All too often we forget that art is the achievement of all human actions. What we are is visualized in art. Contemporary symbolism, the metaphor for all forms of living the experience. Reflecting and philosophising through the left hemisphere stimulates the creativity of the right hemisphere (in this respect she refers to the author Betty EDWARDS and her book 'Drawing on the Right Side of the Brain').

CultuurContaCt in Dialoog - André BAERT, February 2021 (translated from Dutch into English by Marie-Charlotte Lauwereins)